Tiempo Psicoanalisis

Cine y Psicoanálisis

 Realizamos dos ciclos anuales de Cine y Psicoanálisis: 

  • CICLO 1.- Presenta Eduardo Laso. Ciclo Psicoanálisis & Cine. 
  • CICLO 2.- Presentan Irma Persichino y Alicia Rodríguez Pellegrini.

PRÓXIMO CINE DEBATE: 
CICLO 1.-  UNA RELACIÓN PARTICULAR, de Frédéric Fonteyn, 1999.
SÁBADO 25 DE NOVIEMBRE, 17 hs.

Presenta Eduardo Laso 

El malentendido del amor y del goce nunca fue tan sutilmente tratado como en el film de Fonteyn: dos desconocidos acuerdan encontrarse a través de un aviso para gozar sexualmente y sostener su anonimato. Solo que cada uno no puede evitar –y se resiste a reconocer- que en estos encuentros despunta la dimension de un más allá del goce de los cuerpos. Algo que hace que el otro adquiera una dignidad que excede el lugar de mero objeto. Despunte del amor con el que tienen que vérselas cada uno en la relación con el otro. Sutil e inteligente tratamiento del (des)encuentro amoroso, Una relación pornográfica (ese es su título original) presenta una relación que no cesa de no escribirse.

¡LOS ESPERAMOS CON UN CAFÉ!

Entrada: 100 $.- Los miembros de la Fundación no abonan entrada.

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  • CICLO 1.- Presenta Eduardo Laso.
    CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2017: LOCURAS DE AMOR 
    CUARTOS SÁBADOS DE CADA MES, de 17 a 20 hs.

Lacan planteaba en el seminario La transferencia acerca del cine: “Platón estaría encantado con esta invención. No hay mejor ilustración para las artes de lo que Platón sitúa en el origen de su visión del mundo. Lo que se expresa en el mito de la caverna lo vemos ilustrado a diario mediante esos rayos danzantes que manifiestan en la pantalla todos nuestros sentimientos que permanecen en el estado de sombras. Y esta dimensión le corresponde hoy día en el arte, de la forma más eminente, la defensa y la ilustración del amor”. Esta ilustración del amor y sus impasses, desvíos, intensidades, son uno de los ejes narrativos casi omnipresentes en el cine. El presente ciclo se propone recorrer algunas películas destacables por su capacidad de interpelarnos, sorprendernos y conmovernos como espectadores. Todas ellas son historias de amor. Y como tales, durante un rato, nos harán amar. Todas ellas nos transportarán a la zona gris entre deseo y goce, amor y muerte, angustia y pasión. A opciones alienantes, pérdidas imposibles de perder, malentendidos trágicos o cómicos y fantasías románticas de encuentros que colmen el sentido de la existencia al precio de la locura.

Sábado 18/3: STRELLA (Panos Koutras, 2009)

Las relaciones pasionales entre un ex presidiario y una prostituta trans son la excusa del director griego Panos Koutras para proponer un auténtico manifiesto Queer que cuestiona el orden sexual y de género vigentes. Presentada como una comedia dramática de toques almodovarianos que se desarrolla en los bajos fondos de una Atenas demasiado parecida a Constitución, el film se erige como una crítica al psicoanálisis, la antropología estructural, la tragedia griega y a todo el orden sexual establecido. Strella lanza un desafío al psicoanálisis que éste debe recoger.

Sábado 22/4 AMBICIONES QUE MATAN (George Stevens, 1951)

Considerada una de las grandes películas de la historia del cine, A place in the sun de George Stevens se basa en la novela An american tragedy de Theodore Dreiser, que se inspiró en un crimen ocurrido en el estado de Nueva York en 1906. La adaptación de Stevens se aparta de la novela, en tanto para el director la historia es menos una tragedia social que una tragedia del deseo. El drama de George Eastman ejemplifica lo que Lacan señalaba en su seminario La ética del Psicoanálisis a propósito de la culpa: “… aquello de lo cual el sujeto se siente efectivamente culpable cuando tiene culpa… es siempre, en su raíz, de haber cedido en su deseo”. El film muestra el recorrido de un sujeto que se traiciona respecto del deseo en favor del bien. Sólo que el bien por el que se cede conduce al mal.

Sábado 27/5 CARTA DE UNA DESCONOCIDA (Max Ophüls, 1948)

Letter from an unknown woman propone una pregunta en torno de los límites entre amor y enamoramiento, entre fantasía de deseo, la locura amorosa y la realidad. El romanticismo exacerbado que trasunta el film de Ophüls renueva los interrogantes en torno del misterio del amor, de sus condiciones de producción, del lugar que ocupa el fantasma y del oscuro vínculo entre pasión amorosa y muerte. Y tras el tema de la locura de amor, el film desliza otro: el de la responsabilidad ética por el deseo.

Sábado 24/6 M. BUTTERFLY (David Cronenberg, 1993)

Pocos directores de cine se han tomado tan en serio el problema de la identidad y la diferencia como el canadiense David Cronenberg. Toda su obra constituye una inquietante inmersión en los problemas y paradojas de la identidad corporal, sexual, mental y social. ¿Qué es la identidad sexual? ¿Qué es ser “yo”? ¿Qué es el cuerpo? ¿Qué es la relación sexual? ¿Qué implica para el propio yo el amar a otro? En su film M. Butterfly asistimos a la progresiva transformación de un sujeto en su propia identidad a partir de enamorarse de lo que cree es una geisha que le evoca a Madame Butterfly.  Sólo que es el soporte de un fantasma y de un delirio amoroso, al mismo tiempo que su locura de amor abre a la pregunta de qué es una mujer. 

Sábado 29/7 HER (Spike Jonze, 2013)

Perturbadora historia de amor en el que un hombre se enamora de un programa de computadora que simula una voz femenina, el film de Spike Jonze muestra en Her la dimensión fantasmática del enamoramiento, así como su carácter fetichístico y narcisista. El mundo futurista que nos ofrece Jonze es alienante, melancólico y egocéntrico, al punto de abrir al problema de si el amor tiene futuro en nuestra cultura. Her parece encarnar la versión irónica del amor en el sentido lacaniano: dar lo que no se tiene a alguien que no lo es.

Sábado 26/8 LA HABITACIÓN VERDE (François Truffaut, 1978)

La habitación verde es una de las mejores y menos conocidas películas del director francés François Truffaut. Basada libremente en los relatos de Henry James El altar de los muertos y La bestia en la jungla, conforma con Las dos inglesas y el amor y La historia de Adela H. su “Trilogía de las llamas”. Película oscura y lúgubre como su tema –un periodista viudo decide conservar viva la memoria de su fallecida esposa y se obsesiona con los muertos- constituye una lúcida reflexión en torno del problema y los impasses del duelo.

Sábado 23/9 LA HEREDERA (William Wyler, 1949)

Basada en la novela de Henry James Washington square, el film de Wyler constituye una magnífica adaptación cinematográfica de la historia de Catherine Sloper, la hija sencilla, tímida y poco agraciada de un acaudalado medico que la pretende proteger de seductores ventajeros que la quieran conquistar por su dinero. El encuentro de Catherine con Morris, un joven atractivo que dice amarla, la pondrá en conflicto con su padre, que no cree que sea posible que Morris se enamore de ella. Magnífico ensayo psicológico ambientado en el siglo XIX, Catherine encarna a la mujer enamorada que se encuentra en la encrucijada entre el mal-decir de un padre que la condena a la soltería, y la falta de garantías del amor del otro.

Sábado 28/10 LA MUJER DE LA PRÓXIMA PUERTA (François Truffaut, 1981)

Penúltima película de François Truffaut, rodada en 1981 con Fanny Ardant y Gerard Depardieu, La mujer de la próxima puerta es una historia de amor fou de despojada belleza que concentra las constantes temáticas y estilísticas del director francés, llevándolas a su extremo y conclusión: las paradojas de la insatisfacción amorosa, la pasión llevada hasta su límite autodestructivo, la mujer como foco de fascinación y de perturbación para el hombre, la locura...

Sábado 25/11 UNA RELACIÓN PARTICULAR (Frédéric Fonteyn, 1999)

El malentendido del amor y del goce nunca fue tan sutilmente tratado como en el film de Fonteyn: dos desconocidos acuerdan encontrarse a través de un aviso para gozar sexualmente y sostener su anonimato. Solo que cada uno no puede evitar –y se resiste a reconocer- que en estos encuentros despunta la dimension de un más allá del goce de los cuerpos. Algo que hace que el otro adquiera una dignidad que excede el lugar de mero objeto. Despunte del amor con el que tienen que vérselas cada uno en la relación con el otro. Sutil e inteligente tratamiento del (des)encuentro amoroso, Una relación pornográfica (ese es su título original) presenta una relación que no cesa de no escribirse.


  • CICLO 2.-  Presentan Irma Persichino y Alicia Rodríguez Pellegrini.

El Cine y el Psicoanálisis mantienen desde siempre una estrecha relación ya que nacieron en la misma época. Varios directores de cine se han nutrido de los descubrimientos freudianos en sus creaciones cinematográficas así como varios psicoanalistas se interesaron sobre la relación del cine con los sueños, las fantasías y las posibles lecturas del discurso cinematográfico. 

Es así como estos dos discursos se interpelan mutuamente e interpretan la subjetividad de una época. 
Invitamos a la comunidad en general a debatir los signos del tiempo que nos toca vivir, sus tramas, sus soledades, sus sentidos y sinsentidos, sus pasiones y los modos singulares de responder de los sujetos a la industria de la felicidad que propone el cine norteamericano, a la reflexión que convoca el cine europeo y a la “novedad” que apunta el cine latinoamericano en general y argentino en particular. 

La propuesta intenta provocar un encuentro significativo y movilizante que posibilite otras lecturas y que aproximen al placer estético. 

 -    El cine, un mundo ficcional. Imagen, palabra, sonido: el discurso cinematográfico.
-     El cine y sus posibles lecturas. Cine y psicoanálisis. Los estudios culturales.
      Cine y arte.
 -    El cine norteamericano, el cine europeo, el cine latinoamericano. El boom del cine argentino
-     El cine y el mercado. El cine comercial y el cine arte. Bordes y resonancias.
      Conceptos y nociones psicoanalíticos relacionados a las películas: 

-        La Sublimación
-        Lo Real, lo Imaginario y lo Simbólico
-        La realidad psíquica
-        La división subjetiva
-        Lo singular, lo subjetivo y lo social
-        Los fantasmas
-        La Ética y la Estética 

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CICLOS ANTERIORES

  • CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2016: PSICOANÁLISIS Y EL MAL 

En Kant con Sade, Lacan plantea que “Si Freud pudo enunciar su principio de placer sin tener siquiera que señalar lo que lo distingue de su función en la ética tradicional (…), no podemos por menos de rendir por ello homenaje a la subida insinuante a través del siglo XIX del tema de la ‘felicidad en el mal”. La felicidad en el mal reconoce un antecedente en los ideales de la Ilustración durante el siglo XVIII. Jean-Jacques Rousseau defiende la concepción de un hombre “natural” bueno al que la civilización corrompe, alentando así una liberación naturalista del deseo. Renace entonces una ética hedonista bajo la figura del libertino: alguien que por ejercicio de la libertad pone a sus inclinaciones placenteras por encima de la moral y el deber de la vida social. Esta lucha por la liberación del deseo en nombre de la naturaleza lleva a una defensa de las perversiones sexuales y la amoralidad social, cuyo paradigma encarna Sade. Éste sostendrá que se está bien en el mal, ya que la práctica del crimen implica actuar conforme a la naturaleza, cuyo principio es la destrucción.

Lacan señala que esta liberación “natural” del deseo termina en fracaso: si se actúa conforme a la ley de la naturaleza ¿dónde estaría la libertad? ¿Y dónde la transgresión que es fuente de goce? Para ello, los libertinos se ven llevados a reintroducir a Dios y a la moral, como condición para poder sostener una acción transgresiva. Durante el siglo XIX, con el Romanticismo, el arte desplegará progresivamente una estética de la maldad, donde el horror es fuente de placer y lo bello queda asociado a lo sublime: lo doloroso, lo tormentoso, lo excesivo, lo mortífero. La figura de Satán, que en Milton era celebrada  como símbolo de una energía original perdida, pasa en el siglo XIX -de la mano de autores como Byron, Baudelaire, Lautreamont, o Dostoievski-  a ser la encarnación de una fuerza vital creadora y maldita que se rebela contra Dios y la sociedad. El mal como movimiento creador y positivo se erige contra la hipocresía moral, la opresión política y los cánones estéticos gastados, a favor de las fuerzas instintivas reprimidas por la sociedad. La “subida insinuante del mal” anticipa el descubrimiento freudiano de un más allá del principio del placer, así como la paradoja de la conciencia moral superyoica, que lejos de poner un límite a la exigencia pulsional, ordena gozar.

Con el siglo XX, la figura del mal ha dejado de tener el sentido religioso del mundo antiguo y medieval, de rebeldía glamorosa que el romanticismo le había otorgado, o de encarnación de algún espíritu fáustico, para devenir horror banal y anónimo. Tema omnipresente en el cine, hemos seleccionado algunos films que nos permitan abordar el problema del mal desde el psicoanálisis, vale decir, la posición ética del sujeto respecto del Otro y de lo real como imposible. 

CALENDARIO ANUAL 2016 DEL CICLO SOBRE EL MAL:

30 se abril  - Experimenter  (Michael Almereyda, 2015) 

Centrada en la vida de Stanley Milgram y su célebre y controvertido experimento de psicología social, Experimenter superpone el debate ético en torno de los límites de la experimentación con el tema de fondo que interesó a Milgram y que, en la misma época, Hannah Arendt desde la filosofía política nombró como “la banalidad del mal”. PELICULA NO ESTRENADA 

28 de mayo - Recuerdos secretos (Remember, Atom Egoyan, 2015) 

El último film del aclamado director Atom Egoyan constituye una aguda reflexión acerca de la memoria y la responsabilidad. A partir de un pacto de venganza entre dos ancianos sobrevivientes de la Shoah que han planeado no dejar impune el crimen cometido sobre sus familias por un oficial nazi que logró fugarse al final de la guerra, Egoyan construye una original y atrapante narración sobre el mal y la posición del sujeto frente al mismo. El periplo de Zev en busca de venganza se torna un viaje al pasado a través de los restos de un presente que conserva aún las marcas del horror: en una clínica de internación, en la casa de un anciano, en el medio de una cabaña, o en los acordes al piano de una pieza de Mendelssohn o de Wagner. 

25 de junio - El lector (The reader, Stephen Daldry, 2008)

Reflexión en torno de la responsabilidad alemana por la Shoah, El lector se inicia con una historia de despertar sexual de un adolescente con una mujer atractiva y enigmática que guarda el secreto vergonzoso de su analfabetismo. Encarnación de dos generaciones de alemanes, la que participó del genocidio y la que nació heredando el peso de ese pasado, el film nos confronta con el problema de la culpa y la responsabilidad a través de ese personaje paradójico que encarna Kate Winslet: una inocente culpable, alguien que es incapaz de leer - también - su posición en relación al Otro y al acto.  

30 de julio - Crimen a las 7 (The couch, Owen Crump, 1962) 

Film injustamente olvidado de Owen Crump, El diván sorprende por ser un atrapante thriller psicológico en el que el psicoanálisis es la excusa para construir una trama de suspense. Con guión de Blake Edwards – el recordado director de Desayuno en Tiffany´s - el film resulta indirectamente una muestra de cierto modo de entender la clínica que Lacan objetaba. Las razones cinematográficas de hacer un film de suspenso terminan llevando la trama a un terreno en que involuntariamente se desarrolla una crítica a esa manera de entender la dirección de la cura que campeaba en el postfreudismo. Aquel en el que las buenas intenciones basadas en los ideales terminan siendo una vía hacia lo peor. 

27 de agosto - Una historia inmortal (Histoire immortelle, Orson Welles, 1968)

Una historia inmortal es uno de los films más bellos y menos vistos de Orson Welles. Basado en un cuento de Isak Dinesen, Welles encarna a Mr. Clay, uno de esos malvados “más grandes que la vida” que tanto le atraían. La trama gira en torno de un rico comerciante de Macao, que para cumplir sus sueños de omnipotencia, decide materializar una leyenda que él había creído verídica. Se trata, para este Amo, de volver real un mito, ser el Demiurgo que realice por su voluntad, el paso de la ficción simbólica a lo real. El resultado es la puesta en escena de la verdad del discurso Amo, y que un no incauto de lo inconsciente siempre yerra. 

24 de septiembre - Juicio a Dios (God on trial, Andy De Emmony, 2008) 

Totalmente ambientada en la barraca de un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, los deportados que esperan el amanecer para ser ejecutados por el mero hecho de ser judíos se interrogan, ante la inminencia de la muerte, por la responsabilidad de Dios en el trágico destino que les espera. Un improvisado juicio se desarrolla entonces, con jueces, defensores, fiscales y testigos, para decidir si Dios es culpable o inocente de la Shoah. God on trial se erige así como una formidable reflexión en torno del lugar del Otro y de la posición ética del sujeto ante el horror. 

29 de octubre - Código de honor (The pledge, Sean Penn, 2001) 

Durrenmatt escribe “La promesa” como un ejercicio de deconstrucción irónica de la novela policial, en la que la lógica deductiva del detective, así como los principales tópicos de la novela de investigación, llevan hacia un final doblemente paradójico y desencantado respecto de la razón. La excelente adaptación cinematográfica de Sean Penn hace de la novela el recurso para plantear los impasses entre el deseo y el deber, y para mostrar la paradoja que ya Lacan señalara: de que no hay ética del bien sino en el mal y por el mal. 

26 de noviembre - La mirada del silencio (The look of silence, Joshua Oppenheimer, 2014) 

Si The act of killing dirigía la mirada hacia los perpetradores de un genocidio, The look of silence lo hace hacia las víctimas. Adi es un optometrista cuyo hermano mayor fue asesinado en las masacres de Indonesia de 1965. Él nunca lo llegó a conocer, pero el recuerdo traumático de su muerte sigue afectando a su familia. Habiendo colaborado con Oppenheimer en la realización de The act of killing, le pide que lo acompañe a filmar los encuentros que tiene con todas las personas que participaron en la muerte de su hermano, a la espera de obtener algún tipo de reconocimiento por lo acontecido y, tal vez, alguna forma de reconciliación. Al llevar a cabo esta tarea, Adi no busca retaliación, sino comprender, pero también hacer entender al otro, que lo que hizo constituye un crimen brutal. Oppenheimer propone con este documental una “mirada sobre el silencio” de un genocidio negado hasta hoy por el Estado Indonesio. PELICULA NO ESTRENADA 

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CICLO 2015. La propuesta fue alternar dos perspectivas: 

  1. “El psicoanálisis desde el cine” abordó algunos films emblemáticos en los que el cine ha plasmado al psicoanálisis como tema, para analizar el modo particular en el que el cine ha transmitido –para bien o para mal- una imagen o idea de lo que es el psicoanálisis.
  2. “El cine desde el psicoanálisis” abordó algunos films que han sido de interés para su análisis por parte de Freud o Lacan. 

23/5: El psicoanálisis desde el cine 

  • El psicoanálisis es infilmable
    Secretos de un alma
     (Georg Wilhelm Pabst) (1926)
     

Secretos de un alma es el primer film que trata sobre una terapia psicoanalítica. Realizado en colaboración con Karl Abraham y en contra de los deseos de Freud, constituye un triunfo cinematográfico un poco datado, en el que la ilusión de Abraham acerca de la difusión popular de la teoría freudiana se gana al precio de una inevitable banalización. El célebre director Georg W. Pabst demuestra sin embargo un especial talento para hacer algo más que meramente filmar el caso que proponen Abraham y Sachs. 

27/6: El cine desde el psicoanálisis 

  • El doble y lo ominoso:
    El estudiante de Praga
     (Paul Wegener) (1913)
     

En 1913 se estrenó El estudiante de Praga, el primer film importante de la cinematografía alemana y un antecedente de lo que será el cine expresionista alemán. Interpretada y dirigida por Paul Wegener junto a Stellan Rye, el film plasma el tema del Doppelganger, término alemán que designa al doble fantasmagórico de una persona viva. Estimulado por la visión del film, Otto Rank se interesa por el tema y en 1914 publica El doble en la revista Imago, el mismo año en que Freud escribe Introducción del narcisismo. Si el film puede despertar aún hoy interés entre los psicoanalistas es por ser la única referencia cinematográfica hecha por Freud a lo largo de su obra. En Lo siniestro Freud señala la presencia del doble como una situación capaz de despertar el sentimiento de lo ominoso. Propone la hipótesis de que si el doble es una presencia inquietante es porque encarna las aspiraciones del yo sofocadas y no realizadas. Y toma como ilustración el film de Wegener. A cien años de su realización, El estudiante de Praga resulta una ocasión para volver sobre el doble y su relación con el narcisismo. 

25/7: El psicoanálisis desde el cine 

  • El psicoanálisis como thriller
    Spellbound
     (Alfred Hitchcock) (1945)
     

Yo quería únicamente rodar el primer film de psicoanálisis”, le dirá Alfred Hitchcock a Francois Truffaut en agosto de 1962 a propósito de Spellbound. A pesar de ese deseo, llega segundo –Pabst ya lo había ya hecho en 1926-. Pero Spellbound es más recordado, no sólo por la bien ganada fama del director inglés y la colaboración de Salvador Dalí, sino también por el modo como hace del psicoanálisis un “MacGuffin” en cuyo centro gira el verdadero objeto de obsesión del director inglés: no el psicoanálisis, sino la mujer. Que para esa época tenía por nombre Ingrid Bergman. 

29/8: El cine desde el psicoanálisis 

  • Discurso universitario y perversión:
    El joven Torless
     (Volker Schlondorff) (1966)
     

Basada en la célebre novela de Robert Musil Las tribulaciones del estudiante Torless, el film de Schlondorff nos invita a introducirnos en un internado militar para jóvenes del imperio austro-húngaro de fines del siglo XIX, para seguir el proceso de iniciación de un adolescente en los misterios de la sexualidad, la crueldad y el sometimiento. También –por vía de las matemáticas- en la castración del Otro. El film es una de las pocas referencias cinematográficas de Lacan a lo largo de su obra: “Ustedes se darán cuenta de que cuando el estudiante es un poco fino puede tener las más grandes relaciones entre el día en que su maestro de escuela se enreda lamentablemente para darle cuenta de lo que respecta a los números imaginarios y el hecho de que se precipita como por casualidad en ese momento en una configuración propiamente perversa de sus relaciones con sus compañeros” (clase del 8 de junio de 1966). 

26/9: El psicoanálisis desde el cine 

  • Condescender al amor de transferencia:
    Un método peligroso
     (David Cronenberg) (2011)
     

A pesar de lo que podría sugerir el título del film de David Cronenberg, el tema de Un método peligroso no es la terapia psicoanalítica. Lo “peligroso” en el film es la transferencia, vale decir, ese particular vínculo que se instala en la relación analítica y que constituye el recurso a través del cual la terapia logra alcanzar sus metas. Transferencia tratada en el film no como obstáculo, resistencia, o recurso en la clínica. Tampoco como amor al saber, amor resistencial, o concepto fundamental del psicoanálisis, sino como el peligro de entrar en una relación de imparidad subjetiva y  quedar sometido a la voluntad de otro. El poder de controlar la voluntad y los deseos de otros, el peligro a la pérdida de la libertad y la identidad, el advenimiento de nuevas formas de subjetividad producto de una inmixión mental o física entre sujetos, la sexualidad como desborde de goce que rompe los límites del yo y transforma a los sujetos, son temas recurrentes en la obra cinematográfica del director. El problema del manejo de la transferencia instala centralmente el punto de cruce entre clínica y ética, y abre la pregunta por el deseo del analista y las metas de la cura. En Un método peligroso, la relación de dependencia transferencial y los riesgos que conlleva su mal manejo se vuelven un objeto cronenbergiano. 

24/10: El cine desde el psicoanálisis 

  • Leer psicoanalíticamente el cine: 
    The pervert´s guide to cinema (Sophie Fiennes & Slavoj Zizek) (2006)
     

La abundante obra de Slavoj Zizek es generosa en referencias cinematográficas leídas desde las categorías lacanianas. Desde Todo lo que usted siempre quiso saber sobre Lacan y nunca se atrevió a  preguntarle a Hitchcock, las intervenciones del filósofo esloveno han renovado el interés por el psicoanálisis aplicado al cine y han multiplicado la producción escrita sobre el tema. El film de Sophie Fiennes toma a Zizek como pensador y personaje para pasearnos por su particular manera de interpretar films, en un recorrido tan apasionante como polémico.